中职公共 音乐欣赏教学课件02音乐的构成要素.ppt

;;;;;;;;;;;;;;;;;;;谱例5 巴伯为弦乐队而作的《柔板》;;;;;;;;;;;;;;;为造成音乐色彩的变化和对比，作曲家在一部作品中往往要使用多个调式调性，从这个转向那个，这就是“转调”。挪威作曲家格里格(Grieg)的管弦乐组曲《培尔·金特》中的“朝景”，是一首转调手法运用得非常精彩的小曲，成功地为听者描绘了沙漠日出时的景色。作曲家只用了一条旋律，通过转调手法构成了绚烂多彩的画面，从天际刚刚发白，到太阳渐渐升起，最后照亮了大地，生动的色彩变化令听者有如身临其境。一开始主题旋律出现在E大调上，接着有一系列的转调：﹟G大调，B大调， F大调，c小调，D大调等，最后又回到了开始的E大调，这最后的“调性回归”是为了让全曲获得首尾呼应和稳定的效果。;2.多调性和无调性 “多调性”和“无调性”这两个词在过去时代很少见，而在20世纪音乐中常可见到，这是因为20世纪的许多作曲家打破了传统的调式调性观念，采用了全新的音乐语汇。 对于习惯于古典音乐如18、19世纪欧洲音乐的人来说，多调性和无调性简直是难以忍受。所谓多调性就是调性，比如一个大乐队，弦乐声部在C大调上演奏一条旋律，木管声部在E大调上演奏另一条旋律，它给人的感觉就会很奇特，让人有一种无所适从的滋味。我们在介绍节奏这个要素时曾谈到 “复合节奏”，即在音乐进行中，同时出现两个甚至三个不同的节奏韵律，比如一个声部两拍子，另一个声部三拍子，它造成的感觉是多元化的。多调性也是如此。例如，匈牙利作曲家巴托克的一首短小的小提琴二重奏，由于使用了多调性，听上去十分新鲜而且让人觉得趣味无穷。 这种在不同声部中使用不同调性的“多调性”手法，在20世纪作曲家手下很多见，他们就是要打破原来的单一调性思维，造成更大的空间感和多元化的感觉。;在19世纪下半叶也有些作曲家不满足于在某个调性上驻留的稳定感，他们不仅利用转调来造成变化，还加密转调的频率，有时候两个小节就转一次调，其结果是调性感变得非常模糊，几乎难以辨认。20世纪的多调性与之不同，它不是在时间顺序上频繁转调，而是在同时出现不同的调，这种做法比频繁转调更加大胆。 至于无调性，就是在音乐中没有任何传统的调性概念。前文已经提到，每个调式都有其特定的结构，如主音、属音、下属音等，音阶中的每个音各司其职，不得越位。在无调性音乐中，这种结构被彻底破坏了，无所谓主音、属音，它们成了无君无臣的一群，可以自由自在地进行到任何一个方向，无所顾忌地让音乐在任何一个音上开始和结束。这种无调性音乐常常使听惯了古典音乐的人无所适从，因为人们几乎没办法来哼唱、记忆这种旋律。 无调性的音乐给人一种解放的感觉和极大的想象空间。正如20世纪的抽象绘画，或是毕加索的变形画，原本具体严谨的物体或人物形态在这种画面上瓦解了，变得自由而新奇。;;或者二度叠置的(像19世纪末的法国印象派作曲家德彪西就常常用非三度叠置的和弦)。如果把形形色色的和弦分个大致的类别，那就是和谐的与不和谐的两大类。在古典音乐中，和谐的声音占主要地位，不和谐的声音则是作为运动的“过程”出现，因为不和谐就是不稳定，它必须变得稳定才行，于是这不和谐到和谐的运动，就像不断的矛盾和统一一样，交替出现。 在20世纪的许多作曲家手中，不和谐的和弦越来越多地成为主要成分，他们不追求音乐的稳定，而是追求一种强烈的冲突和矛盾，或者是新颖的、令人产生不寻常感觉的效果。这种音乐让听惯了古典音乐的人很不以为然，但它也有它自己独特的美感，如俄罗斯作曲家斯特拉文斯基写于1966年的《安魂颂歌》中的一个段落《拯救我》。再如贝多芬钢琴奏鸣曲“悲怆”第一乐章的引子，作曲家使用和谐与不和谐的交替，构成了一种张力，一种悲怆情感。 如果一首曲子从头至尾都是不和谐的和声，会让人感到紧张，而如果从头至尾都非常和谐，又会有缺乏推动力、缺乏色彩的感觉，就像一片平; 音乐学习的主要内容应该是揭示音乐要素在音乐中的表现作用，只有依此为内容，我们获得的才是音乐的素养和感受音乐美的能力。学习和了解音乐基本表现要素(如力度、速度、音色、节奏、旋律、调式和调性及和声)等基础知识，可以有效地促进我们音乐审美能力的形成与发展。我们要培养自己自信、自然、有表情地歌唱，以及更好地学习演唱、演奏等初步技能；在音乐听觉感知基础上识读乐谱，在音乐表现活动中运用乐谱。;;将这五个音移在一个八度内，它们名称的顺序是：宫、商、角、徴、羽。 谱例2;(2) 以商音为主音的调式称为“商调式”。 谱例4;五声调式有下面几种： (1) 以宫音为主音的调式称为“宫调式”。 谱例3;